Silvia Stocchetto est une artiste dont le parcours créatif se nourrit d'une fusion intime entre science et art, entre observation analytique et vision poétique. Sa formation en Sciences Biologiques, enrichie par un doctorat en Biochimie et Biophysique, lui a permis d'affiner un regard capable de saisir la texture minutieuse du monde invisible : textures cellulaires, mitochondries, architectures organiques qui constituent le souffle même de la vie. Cette démarche, jamais abandonnée, se transfigure en une sensibilité artistique qui, loin de se limiter à la simple reproduction de la réalité, révèle ses dynamiques secrètes, les traduisant dans une dimension imaginaire originale aux traits surréalistes.

Pour ouvrir, par ordre chronologique, le parcours d'exposition de cette exposition personnelle est Gru coronata (2016), un tableau d'une importance particulière dans la carrière artistique de Stocchetto. En fait, il établit l'affirmation d'une grammaire visuelle destinée à devenir un trait distinctif de sa poétique dans les années suivantes.

L'œuvre s'impose avec une force chromatique enveloppante : un monochrome chaleureux imprègne la composition, la plongeant dans une atmosphère suspendue et surréaliste, dans laquelle la dimension naturelle et l'imaginaire s'entrelacent dans un équilibre fragile et subtil.

Au centre de la scène, parmi les fragments de bois flottants, se détache la figure énigmatique de la grue. Son regard attentif et son élégance font de lui le point d'appui du récit visuel, tandis que d'autres présences animales émergent de l'intrigue picturale, tels les témoins silencieux d'un univers arcanique et fragmenté. Le bois brisé, avec ses éclats acérés et ses géométries instables, devient le symbole d'une existence en équilibre entre construction et dissolution, entre permanence et éphémère.

Evolution 2 (2018) représente un moment de transition : la nature, encore libérée de l'aura solitaire de l'idole qui dominera bientôt les œuvres du peintre, se manifeste ici dans une composition palpitante à l'approche chorale. La dimension symbolique de la peinture se confond avec un récit plus fluide, dans lequel le paysage devient un organisme vivant, en métamorphose continue.

Le regard pénètre dans un labyrinthe dense de branches et de vignes entrelacées, une forêt visionnaire où rien n'est statique. Les lignes brisées et les courbes sinueuses suggèrent un processus incessant de croissance et d'évolution, tandis que les oiseaux se fondent dans la végétation, devenant partie intégrante d'un écosystème vibrant et harmonieux malgré son propre chaos. La couleur est essentielle dans cette dynamique : la terre brûlée et les bruns des branches contrastent avec les verts vifs de la végétation, générant une tension visuelle qui suggère un flux vital souterrain, une pulsation secrète de la matière.

Dans les œuvres ultérieures, ce langage pictural se précise, donnant vie à des scénarios de plus en plus immersifs, peuplés de figures ancestrales qui incarnent le caractère sacré de la nature. Les « idoles » de Stocchetto apparaissent comme des totems archaïques, des présences énigmatiques qui transforment le paysage en un espace symbolique, dans lequel la réalité s'entremêle à l'écho des mythes anciens.

Dans Idolo (2018), cette évolution se manifeste dans sa pleine expression. L'œuvre marque le début de la poétique de l'idole, devenue désormais une icône hiératique immergée dans un labyrinthe végétal de lignes stylisées et sinueuses. L'oiseau, au regard posé et au profil austère, émerge d'un réseau dense de branches et de tiges qui semblent danser sur un rythme musical, suspendu entre le naturel et l'onirique. La couleur, plus vive et vibrante, amplifie la tension abstraite de l'œuvre : des ocres profonds et des verts intenses s'entrelacent dans une synthèse visuelle qui unit le monde organique au monde symbolique. L’idole, bien qu’enracinée dans son essence animale, transcende la matière et devient un emblème, une présence absolue qui habite un ailleurs intemporel.

Avec Idolo X (2021), l'artiste arrive à une nouvelle et plus ample évolution de son langage, poussant ses recherches vers des territoires d'origine surréaliste plus prononcée. Ici, la figure animale revêt des traits de plus en plus anthropomorphiques, dissolvant les frontières entre humain et naturel, entre réel et visionnaire. La composition, complexe et superposée, est nourrie par d'autres éléments architecturaux et musicaux qui interagissent avec les formes organiques, donnant vie à un environnement énigmatique et magiquement suspendu.

Les entrelacs végétaux deviennent structures, les corps s'hybrident avec les instruments de musique et les fragments de bois, esquissant une énigme métaphysique impénétrable.

La palette de couleurs délicate et sophistiquée joue avec les nuances de bleu, d'ocre et de terre, enveloppant la scène d'une vive lumière diffuse. L'idole n'est ici plus une icône fixe et solitaire, mais une créature en constante métamorphose, une entité qui défie toute classification et nous invite à nous immerger dans un univers de rêve et de mystère.

Dans ce dialogue entre science et art, entre observation et vision, Silvia Stocchetto nous invite à regarder au-delà de la surface, à nous immerger dans un univers où le microscopique devient immense et le réel se transforme en rêve. Ses idoles nous observent depuis un monde parallèle, témoins d'une nature qui n'est jamais simplement ce qu'elle paraît, mais qui contient en elle le mystère de la vie elle-même.

Qu'est-ce qui est vivant dans une nature morte ?

Cela me semble être la question qui se pose dans la peinture de Silvia Stocchetto. C’est bien sûr une question philosophique et, en fait, les philosophes ne manquent pas. Sournois, bienveillant et énigmatique, il nous fait le seul sourire de sa vie et nous invite à garder le secret, il nous livre au silence.

Les natures mortes de Stocchetto sont plongées dans le silence et dans la grisaille. Mais c'est un gris métallique, dans lequel on sent l'écho lointain des corps vibrants, des bruits modernes, c'est surtout un silence dans lequel, comme si on mettait l'oreille au sol le long des sentiers de chasse ataviques, on sent la vibration sourde de la terre qui nous parvient des temps anciens, très anciens et, en même temps, futuristes. Les choux-fleurs, les poules, les ustensiles représentés ici comme autrefois le visage humain sont, en fait, les sujets d'une peinture ultra-moderne. Plus moderne que n'importe quel moderne, Stocchetto, semblable en cela au poète Pasolini, les observe "de l'extrême limite d'un âge enfoui", les gestes avec lesquels elle les peint appartiennent aux premiers actes d'une "Afterstoria".

L’histoire qui s’est déroulée avant cette peinture minutieuse et précise, mais non exhibitionniste et non festive du triomphe des biens, avant cette peinture affectueusement mélancolique, est l’histoire de la Modernité qui a définitivement éloigné l’homme de la nature dont il est issu. Il n'y a plus aucun résidu de naturalisme dans les natures mortes de Silvia. La nature est définitivement derrière nous, nous en avons pris définitivement congé en tant que membres d'une espèce qui se réinvente et se redessine presque quotidiennement depuis plusieurs millénaires. Nous appartenons entièrement à la marche furieuse prométhéenne et diabolique de l’Histoire. Pourtant, au moment où Silvia Stocchetto nous peint dans le miroir gris de nos objets, l'histoire se termine également à ce moment-là. Les couteaux sont rangés dans les tiroirs, le cadavre écorché du poulet repose dans un four éteint, le chou-fleur est épluché, les ustensiles sont intacts.

Il en va de même pour la figure humaine : en la peignant, Silvia l'aspire dans la zone morte de ses natures mortes. Irene, Luisa, Gianluca, mon père, ma mère, se sont déjà cristallisés au moment où ils entrent dans l'espace pictural de Stocchetto, ils sont déjà passés de la phase liquide de la matière, la phase vitale, à la phase solide, jusqu'à un premier rigor mortis. Tout dans cet univers pictural est peint un instant après la fin du monde. Pourtant, il n’y a pas de désespoir, il n’y a pas de rejet, il n’y a presque pas de regret. En fait, tout dans l'univers pictural de Silvia Stocchetto est peint un instant après la fin du monde ou, si l'on préfère, dans le premier instant de la création. Vous choisissez, Le choix est libre, Contrairement à ce qui se passe dans l'existence, dans l'art le choix entre la vie et la mort est libre, provisoire, indécidable. Ce choix crucial est même réversible. Vous pouvez passer du royaume des vivants à celui des morts et revenir en arrière pour raconter l'histoire. N'est-ce pas un cadeau incroyable ?

La frontière praticable. Le seuil. Le gué bas. Les tableaux peints par Silvia nous situent en ce point et c'est le cadeau qui nous vient de sa peinture. Il ne s’agit pas simplement d’une nature morte en tant que représentation picturale de sujets inanimés. Tout dans ce tableau est désanimé, même les vivants, même les proches les plus chers. Mais, simultanément, tout y est relancé. Chaque sujet, vivant, décédé ou jamais vécu, même ceux à venir, encore incréés, se voit accorder un second acte, une seconde vie dans ce théâtre des gris. Tout, tout le monde est attiré par la maîtrise de Silvia à la limite de son histoire, à la limite de l'être. Silvia peint toujours en séjournant dans la maison des douaniers, depuis la colline surplombant la falaise, à l'endroit où l'on peut observer le passage de ceux qui partent et de ceux qui restent. Ses peintures parlent ici et maintenant avec l'autorité qui vient du fait d'avoir été là et alors. Chaque objet, chaque personne qui s'y trouve participe simultanément au monde des vivants et à celui des morts, aux sphères visible et invisible. Chaque fond est gris mais tout est illuminé.

Ainsi, d’après ce que j’évoquais au début, pour comprendre la véritable nature de ces natures mortes ultramodernes, il faudra remonter à l’Antiquité. À ces asarotos (maison non balayée) qui se sont développés à l'époque hellénistique, à ces petites décorations en mosaïque sur les sols qui représentaient les restes de nourriture : écorces d'orange, raisins, écorces de citron. Ces premières expériences dans l'histoire de ce genre de peinture que nous avons appris à définir comme « nature morte » appartenaient à un culte du défunt : la nourriture qui tombait de la table, décorée de mosaïques au sol, était destinée aux proches décédés, aux membres de la famille décédés. Pas de rangement de la salle après le banquet, pas de balai pour la balayer pour que les morts puissent continuer à vivre dans les maisons qui avaient déjà été les leurs de leur vivant, pour que le fossé entre le visible et l'invisible reste ouvert, praticable dans les deux sens.

Les natures mortes live de Silvia Stocchetto ont le même objectif, même pour nous ici, maintenant, à la fin de cette très longue histoire : elles maintiennent la brèche ouverte.